AFFLATUS
LOOK BOOK
TABLE OF CONTENTS
01
The Fashion Chronicle
“一生都随心所欲”的 天才 伊夫·圣·罗兰
御用珠宝——卡地亚
亚历山大•麦昆：你懂得越多，就越像这个世界的孤儿
2022春夏时装周秀场设计盘点
02
Colour makeup
03
Pat McGrath Labs
Fenty Beauty
BondNo.9
House of Sillage
被一把椅子改变的人生｜访90后新锐设计师王树茂
04
home design
佐藤大
The new design
ACQUES-WEI
Sophia Webster
直拍奥斯卡
素材来源：素材网 时尚网站 推文图片 /图片
期刊网站 推文 /文章
拼 接
FASHION
Rokh 2020秋冬系列
这个系列展现了Rok Hwang出色的剪裁技艺，大量出现了拼接，赋予了西服、风衣、百褶裙新的形态，西装裙上下融合完美，透视薄纱和印花裙还是展现了女性的浪漫情怀
Black is
my refuge
“一生都随心所欲”的天才 伊夫·圣·罗兰
Olivier说：“圣罗兰先生是第一位把男装元素服务于女性的时装设计师。他的厉害之处在：他非常善于在已经存在的基础上开发新的创意。他并没有开发新的廓形，在我看来，比起创造者，他更是一位造型师。”
A LINE ON WHITE PAPER
记得2002年1月22日晚，圣·罗兰宣布退休以后的最后一场时装表演，在巴黎蓬皮杜艺术中心举行。一个当时受邀观摩这场堪称风华艳世、世人瞩目的演出、曾为圣·罗兰负责过刺绣工艺的时装界朋友后来对我说，他一直站在最后一排，忘记了累，忘记了不适，在不断的鼓掌、不断的欢呼和激动的泪水中看完整场演出。
圣·罗兰就有这样的魅力。
1936年8月1日，圣·罗兰生于阿尔及利亚，家境富有，因此他从小就在家庭的晚宴中，从“谈笑有鸿儒、往来无白丁”的达官贵人的时装服饰上获得了很多创作的灵感。他把妈妈时尚杂志上的图片剪下来，自己为模特们设计时装。
936年8月1日，圣·罗兰生于阿尔及利亚，家境富有，因此他从小就在家庭的晚宴中，从“谈笑有鸿儒、往来无白丁”的达官贵人的时装服饰上获得了很多创作的灵感。他把妈妈时尚杂志上的图片剪下来，自己为模特们设计时装。
17岁那年，在国际羊毛局举办的一个设计比赛中，圣.罗兰获得一等奖。儿时的梦想成真，他也被法国《时尚》杂志的总监发现，从此步入时装界。1955年，19岁的圣·罗兰首次发表设计作品，21岁时任全球最有声望的迪奥时装公司的首席设计师。
奥斯卡红毯上群星闪耀，Al Pacino,Andrew Garfield Zoë Kravitz穿着圣罗兰盛装出席典礼Hailey Bieber,Dominic FikeMaude Apatow, Amber Valletta等群星以经典圣罗兰风格点亮《名利场》杂志派对的璀璨之夜。
1955年，19岁的圣·罗兰首次发表设计作品，21岁时任全球最有声望的迪奥时装公司的首席设计师。后由于迪奥的老顾客们认为他的设计过于激进，1960年被炒了鱿鱼。1961年，他在塞纳河畔成立“左岸”服装店，圣·罗兰品牌正式问世，后来成为全球最著名的时尚品牌之一。2002年圣·罗兰宣布退休后，在世界高级时装设计界还引发了心照不宣的“接班”之争，全球顶级的时装设计师们，都在努力填补因他离去而留下的巨大真空。不过迄今为止，十几年过去，尚未有人能够完全代替他的位置。这也从另一个侧面说明，他在世界时装艺术历史上的地位，多么高不可攀！
圣·罗兰对造型、色彩（特别是对黑色）、服装材料和服饰有着惊人的敏感，一出道就被称为“时装业小王子”。他早期的设计惊世骇俗，充分反映了他反叛权威的精神。被迫从迪奥离开。不仅没有让他的反叛精神减少，反倒令他越战越勇。他的设计打破了男女服饰的界限，使时装界发生了一场革命性的变化。他既从俄罗斯、中国、阿拉伯等文化中博采众长，也从自己最喜爱的法国作家马塞尔·普鲁斯特（20世纪法国最伟大的小说家，也是20世纪世界文学史上最伟大的小说家之一。代表作为长篇巨著《追忆似水年华》）的作品中汲取和丰富自己的灵感。
在他称王的年代，每个设计师都梦想成为SAINT LAURENT,但SAINT LAURENT只有一个。
他的设计思想来源，既有街头艺术、牛仔精神的放荡不羁，也有小资情调、宫廷雍容文化的精致考究。
20世纪60年代，是叛逆、卓尔不群、特立独行的年代。这个展览的第一幅照片，就是摄于60年代，圣·罗兰穿着一件T恤，一条紧身长裤，背着一个挎包，包带长及胯下，他跨在自行车上，一脸阳光。这个搭配、这样打扮、这幅形象，就是放在50年后的今天，也毫不落伍，仍然“新潮”。他1962年发布了第一季高级定制时装，当时的评论界这样写道：这是一个看懂了这个时代，属于这个时代、并通过时装展现了这个时代的设计师。要知道，60年代的法国，有身份的妇女，上午、下午和晚上的着装，应该是不同的。
一个服饰讲究的贵妇人，既为“换装”的排场感到骄傲，也被其繁琐和不便束缚住了手脚。
圣罗兰右岸系列
圣罗兰右岸系列（Rive Droite)作为一个创意与文化的聚集地展现不同设计领域的新奇表达形式包括独家创作、限量版、图书馆、古董、音乐、摄影、艺术、表演、展览、活动和文化交流透过圣罗兰品牌DNA重新演绎丰富圣罗兰的创意奇想世界。
圣·罗兰用“一件服装可以从正午穿到午夜”的设计理念，彻底颠覆了这个不适应现代生活的传统，特别是解放了那些需要大量旅行的职业女性。几十年来，青睐圣·罗兰作品的人中，既包括皇宫贵胄名门望族，也包括知识精英白领丽人，既有文体
明星，更有普通百姓。
圣·罗兰横空出世，跨界高级定制时装业和成衣时装业，像是在一片靡靡之音中，突然听到了雄壮的进行曲，整个时尚行业为之震动。后来，他又涉足香水、服饰、眼镜等几乎所有相关行业，建立了名副其实的时尚帝国。
凡此种种，不仅令人感叹：只有兼容并包、海纳百川的法兰西文明，才能造就圣·罗兰这样的大师！而像他这样不拘一格、惊世骇俗的天才，也只有在这块土地上，才能充分展现自己的才华！
2008年6月1日，圣·罗兰在巴黎辞世，享年71岁。带着对美的的幻想，这个号称“自己一生都随心所欲”的服装大师，平静地离开了这个给他带来过巨大声誉的奢华生活。事实上，从2002年1月22日那晚的告别演出，直到辞世，圣·罗兰再没有出现在公众眼中。
1988年，法国共产党机关报《人道报》庆祝节日，邀请圣·罗兰的80名模特在5万名观众面前进行表演，代表资产阶级顶级奢华的高级定制时装，带着“资产阶级审慎的魅力”，与劳苦大众的代言人巧妙地结合在了一起。1998年法国足球世界杯决赛前的热场表演上，三百名模特穿着圣·罗兰设计的服装，在全球观众的瞩目中登场，演绎了他几十年的创作。最后，模特们排成圣·罗兰品牌的微标，从法兰西体育场的空中鸟瞰，蔚为壮观。
圣罗兰2022冬季女装秀
Miss a person is not every day with him, but always put him in my heart.
御用珠宝的发展之路
Cartier
1830年7月31日，法国，巴黎。路易·菲利浦在拉法耶特陪同下，手举三色旗出现在巴黎王宫的阳台上。一周后，法国众议院召路易·菲利浦即位，法国建立了金融资产阶级统治的七月王朝。
19世纪30年代的这场法国资产阶级革命，推翻了波旁王朝，保守势力最终让位于自由主义浪潮。但法国贵族大权的旁落，丝毫没有影响其对于奢靡生活的追求；另一方面，新兴的资产阶级上台后，更是对权利和财富显露出前所未有的热情，黄金、珠宝成为了他们宣誓胜利的标志。政治学告诉我们，政治影响经济，在这样的社会背景下，在当时无论是延续着古典华贵风格的老牌珠宝商，还是代表着“时尚”理念的新品牌都如雨后春笋般蓬勃发展。
当时的法国似乎让人感觉不到是一个刚刚历经革命洗礼的“新兴”国家。
时间很快来到1847年，路易·弗朗索瓦·卡地亚（Louis-Fran·ois Cartier，1819-1904年）开创了以自己名字命名的珠宝店，卡地亚这个名字开启了百年的传奇历程。
俗话说“酒香不怕巷子深”，但卡地亚不愧是位精明的珠宝商，他深知地段对产品销售的重要性。1852年，卡地亚将店铺迁至奥尔良宫殿附近的小场街5号，这为其成为“皇室珠宝商”创造了契机。
一天，店中来了一位神秘的客人，她定制了一条复古式贝壳浮雕项链，很快这款设计新颖的项链被展示到了皇室的面前。这位神秘的客人就是乌韦克尔克伯爵夫人（Comtesse de Nieuwerkerke），而他的丈夫正是拿破仑三世的御前美术总监。随后皇室的订单雪片似地飞向这个名不见经传的小店，其中拿破仑一世侄女玛蒂尔德公主（Princess Mathilde）成为了卡地亚最大的“粉丝”。仅她一人在短短的三年内，就向卡地亚订购了55件饰品。“秘密千万不能告诉女人”，在她的引荐下，拿破仑三世之妻欧仁妮皇后（Empress Eugénie）很快也被卡地亚设计新颖的产品征服。卡地亚从此与皇室结下了不解之缘。
到了20世纪初，欧洲的上空满布战争的阴云，欧洲社会同时也快速进入了现代工业时代，此时卡地亚第三代传人路易·卡地亚（Louis Cartier，1875-1942）将全新的、符合现代生活特征的设计风格引入珠宝设计。这位领先潮流的审美缔造者开始在抽象几何图形上倾注巧思，并于1904年创作出一款镶嵌钻石和红宝石的菱形胸针。类似风格的珠宝设计接踵而至，其中包括一款1906年推出的胸针，蓝宝石与钻石交相辉映。这些设计堪称现代艺术风格的最初代表，日后被称为“装饰艺术”，并在1920-1939年间，成为众多创新设计的灵感之源。
进入20世纪三四十年代，全球性的金融危机让卡地亚的珠宝设计风格发生转变：由张扬的瑰丽色彩转向以不同方式切割的钻石组合出各种几何造型，由铂金、钻石和无色水晶组成的“白色装饰艺术风格”，让珠宝首饰向经典风格回归。此后卡地亚不断诞生出在色彩或质感上存在刻意对立冲突的“水果锦囊风格”（Tutti Frutti）等众多经典的珠宝风格，始终充当着时尚的风向标。传奇的品牌注定会与传奇的人物产生交集，在历史上有两位传奇的女性与卡地亚的故事至今被人称道。一位是贞·杜桑（Jeanne Toussaint）女士，另一位就是历史上让温莎公爵爱德华为她放弃王位的辛普森夫人。
19世纪60年代，巴黎进行大规模城市规划，意大利大道成为了市区最为繁华的商业街之一。于是卡地亚再次迁址至此，遂吸引了当时巴黎所有上流社会精英慕名前来。
到了1899年，卡地亚又将店铺迁至巴黎和平街 (Rue de la Paix) 13号。随后，其他珠宝商及众多时尚精品店也纷纷进驻这一高贵优雅的街区，这里逐渐成为了当时巴黎、乃至全球高级珠宝的交易中心和圣地。
从1890年开始，卡地亚逐渐形成了自己独有的风格，并在以后的百年间始终走在时尚的前沿，成为名符其实的时尚弄潮儿。说到1890年，在这个年份往前一百多年，即18世纪中叶，瓦特改良蒸汽机之后，一系列技术革命促进了手工劳动向机器生产转变的重大飞跃。随后工业革命传播到了整个欧洲大陆。
这件看起来和珠宝界毫不相干的事件，却深刻影响了当时整个欧洲的文化和艺术。工业开始让铁路连接欧洲各大城市，高级时装也在巴黎萌芽。与此同时，柔美的花卉、藤蔓、蕾丝、丝带等富有曲线的造型，开始成为珠宝美学的新宠，一个脱胎于自然主义、温婉雍容的卡地亚“花环时代”就此开启。
兼容并蓄
热情慷慨
美与情感
贞·杜桑于1933年接任卡地亚高级珠宝部门总监，在她的主持设计下，卡地亚的动物形象在20世纪40年代大放异彩。1948年，卡地亚的第一枚立体豹形胸针诞生了，这头傲然站立、眼神凌厉的猎豹在今后的岁月里几乎成为了卡地亚的“形象代言人”。而另一位与卡地亚有着不解之缘的辛普森夫人更具传奇色彩。这位女性与温莎公爵书写了一部真人版的“不爱江山爱美人”的经典佳话，卡地亚作为皇室珠宝商有幸见证了这段爱情。、
1936年，温莎公爵将一对卡地亚对戒珠宝赠予温莎公爵夫人，由此情定二人的传奇情缘。随后卡地亚珠宝盒、蓝宝石“猎豹”胸针成为了这位传奇女性的最爱。卡地亚珠宝成了他们的定情信物，珠宝闪耀的光芒见证了这段伟大的爱情。
时光流转，岁月浮华，时至今日卡地亚还在续写着珠宝风尚的新篇章，因为在他们看来，他们做的不是珠宝，而是艺术。
亚历山大•麦昆：你懂得越多，就越像这个世界的孤儿
二三事
早年，大都会艺术博物馆曾推出过亚历山大·麦昆作品回顾展“Alexander McQueen：野性之美 (Alexander McQueen: Savage Beauty)”。
这野性，汹涌着人类如此蓬勃而又危险的创造力。在展览墙上，写着麦昆说过的这样一句话——“我是一个浪漫的精神分裂症患者”。美丽与恐惧、生与死、光明与黑暗，就是他穷尽一生营造的梦境。
流传于世间的传说，折射出这个时尚界的宠儿，充满了反叛和先锋的精神。
“我做这些复杂的衣服是为了鞭策我自己。我必须让自己时刻处在最前沿。但这样做的不便之处在于，这就像对发布会上的几百号人公开自己的私生活，而他们中的许多数都不配知道这么多。”
——亚历山大•麦昆
Alexander McQueen
变异的流光，巨大的体量，肉身一般的沉重。那眼神，活脱脱，一点儿敏感的神经质，却是炯炯的凛冽，直击本质。
看窗外，裸露着的浮华，沉默的夜色。这眼神，着实吓我一跳，慌忙把他从床上搬走。只是，心上那一轮如虹的天才鬼魅，那一种“浪漫的外表露出的真相”，那黑暗与人类创造力交织的阴翳光辉，惟他可以给。
他是Alexander Mcqueen 。亚历山大•麦昆，1969年3月17日生。
兽骨脊椎胸衣、“Coiled”金属胸衣、羽毛鸟巢头饰、低腰露臀裤、“沉船装”与“牡蛎裙”……对创意，他有着贪得无厌的好胃口。
他同时饱受抑郁症折磨，滥用可卡因，体力透支。他看透本质，却无法拒绝本质。
在母亲的葬礼前，他选择了告别自己的躯壳。于时尚幻象重重的人间，留下“鬼才设计师”的极尽哀荣。
不知道，他的灵魂是否顺利抵达上帝。上帝，又是否愿意穿上他设计的低腰露臀裤。
这一生，那一年，他40岁。
关于叛逆
还在安德森与谢泼德裁缝服装店做学徒的时候，他花了两个月坐在那儿学习如何缝领子，又花了两年才学会怎么裁剪一件夹克。麦昆事后还回忆道，他很想在威尔士亲王缝制的外套夹层里绣上“麦昆到此一游”的字样。“我曾在帆布上签名‘麦昆到此一游’，这样我就可以确定自己能时刻靠近他的心脏了。”
麦昆后来否认了自己会在衣服上签名或者留下几句脏话。安德森与谢泼德召回了给威尔士亲王制作的所有衣服，并没有找到此类涂鸦，但是时尚界依然流传着这样的传言，这让麦昆的叛逆形象更加鲜明。
关于毁灭
卡门•阿蒂加斯（Carmen Artigas)罗密欧•基利工作室中的设计助理，麦昆早期在该工作室工作的同事，讲了这样一个故事——
“有一次，他邀请我去一个派对，我们在大雨中的街角碰头。隔得很远我就看见他撑着一把大伞；走近一看，那是一把日本古董油伞，伞面是打了蜡的纸，伞骨是竹子，在大雨中已经开始散架了。我提醒他那把伞快坏了，而他只是哈哈大笑，不以为然。现在我才意识到这是典型的麦昆作派，在毁灭中寻找美感”。
西蒙•克斯廷（Simon Costin)珠宝和布景设计师，早在麦昆在中央圣马丁办毕业展的时候就开始与他合作。
他这样回忆道：“为什么他会对死亡有这样强烈的偏好？当时他应该还没有接触死亡艺术，只是把死亡看作是越轨的象征，作为他某种反叛的表态。’他在本质上就是矛盾的。乌鸦、骷髅这些意象都是他表达死亡的语汇，同时他的作品中还有很明显的关于身体禁锢的意象（紧身衣、兜帽），表达得非常有力。”
关于才华
麦昆体内横冲直撞的怪力乱神，是谓设计的“元气”。他的设计当真不是每个人能hold住的。便是那种发了狠，犯了痴，倔了强，试图接近上帝又诅咒上帝的分离与黏合。
成就Alexander Mcqueen （亚历山大•麦昆）盛名的【高原强暴】系列（1995-1996秋冬）。超低档露臀裤被剪裁到了一个危险的高度，面料被刻意磨损。男性气质军装风格护脖上印着麦昆的格纹图案，边缘处是苏格兰女王玛丽•斯图尔特式的褶边领。邀请函被大量复制，伦敦时装周的帐篷差点被挤爆……
随后，麦昆与维维安•韦斯特伍德有关格纹的论战开始上演。
论战的过程相当精彩，貌似纷乱的口唇之击，却蕴藏着严肃的说服力。
“他们完全误解了‘高原强暴’”。麦昆对《星期日泰晤士报》说：“这个系列并没有反对女性，而是反对维维安·韦斯特伍德创造的虚假历史。她使得格纹看起来可爱又浪漫，而且试图让人们相信本该如此。实际上，18世纪苏格兰的真实场景根本不应该是美丽的女人裹着雪纺衣服游荡在荒野上。”
随后，韦斯特伍德愤怒地反击了。她把麦昆称作“毫无才华者”的标杆。
但麦昆是正确的：每个家族特有的格纹图案直到19世纪才正式出现，而《威斯特敏斯特法令》也判定穿戴格纹是违法行为。
麦昆在发布会上展示了属于自己对两桩历史事件的愤怒：1745年雅格派叛乱后的时期，以及19世纪的“高原大清洗”。在“高原大清洗”中，萨瑟兰伯爵夫人等土地主驱赶佃农们，以便在土地上饲养羊和松鸡，造成了大饥荒以及大量苏格兰人逃难前往美洲。
令人表示叹服的是，麦昆阅读涉猎众广，他不是在乱发脾气，随意表达言论，在这诡异而又奇特的风格背后，隐藏了一个裁缝匠人，一个文学青年，一个史学精通者。
传奇
亚历山大•麦昆的朋友，艺术家A.M.Hanson 说：“他被鸟类学中那些充满诗意的概念，以及鸟类注定寿命短暂的命运所深深吸引着。”
自由，叛逆，执著，空灵，消逝——他的生命，像极鸟的飞翔轨迹，奇特的，狂暴与诗意并存的，短暂。
“对于我来说，那一部分身体——不是臀部，而是脊椎的尽头——才是人们身体中最具有挑逗性的部位，无论是男人还是女人。”麦昆说。
“上帝的归上帝，撒旦的归撒旦”。肉体生活指向世俗生活，精神生活指向天堂生活。如果同时皆指向一个世界，它必然会被另一个世界所拒绝。
所以，他怀着满腹天才早早去了。
麦昆曾在2004年的一次表态中这样总结：“设计师得做出选择：艺术还是金钱。我并不是搞艺术的，我只是创造人们穿的衣服。”
这样的表态，多多少少是敏感的。当时古驰集团占有Alexander Mcqueen品牌 51%的股份，这让他无法像理想中那样可以超越“仅仅”做一名设计师的界限。
——“每六个月，你办一场秀，在公众场合曝光一次，但是在这六个月的间隔里，一切都还早。没有人能从时尚媒体上或是买手那里得知，你要经受怎样的折磨才能把一切做好。”
在麦昆自杀之前，他的伯乐、知己、敌人伊莎贝拉•布罗，与他的一生交织着复杂深厚的情感，先他而去，一样是以自杀为宿命。
她这么说他：“麦昆最吸引我的一点是，他能从过去的历史中汲取灵感，再把它们用全新的面貌用在自己的剪裁中，呈现在当代的语义环境下。他的剪裁方式复杂而严肃，这让他的作品非常摩登。
难得的是，他从来都把面料和廓形当作装置艺术作品来重构。这背后，若没有惊世骇俗的想象力与高超的技艺，恐怕难以为继。
也许，麦昆的前世记忆与撒旦更为亲密。凡亲密，必有深交，故所至之处，必留痕迹。在现世追随前世，记忆的印记蜕变得不干不净，想着复原，觉得又不是，于是推倒重来，不断毁灭，解构，营造。
这或许也能用来解释，为何他的偏执，天才，痛苦，博学，炙热，忘我，缺失……交织着魔鬼与天使的疯狂诗意。
恋物，恋情，恋战。暗黑到极致，恋到无可救药，深情专注到无以复加，到了一个临界点，必会自己抽离。
这种情感的本能，类似于“做爱后动物性感伤”(coitum animal triste），设计是情欲。一旦情欲得到短暂的满足，你又将复归，成为这个世界的孤儿。
而“死亡”。他在想象中试图接近过无数次，熟悉得不能再熟悉的一道命题，终于如约而至。
某一日，亲耳聆听山本耀司在说：“亚历山大•麦昆的离去，使得我少了一位对手。如今，我置身于一个没有竞争对手的空空的赛场……”
世间再无，亚历山大•麦昆。
谨以此文，在某个流光溢彩的夜，记作怀念。
2022春夏时装周秀场设计盘点
在全球疫情趋于稳定的情况下，2022春夏时装周终于回归线下，从Balenciaga巴黎世家与《辛普森一家》的合作，到Dior五彩缤纷的转盘设计，再到Prada别出心裁的“双城记”，各大品牌的秀场设计让人眼前一亮，光影交错、动静结合带给人无与伦比的视觉冲击力，同时彰显品牌独特的理念，我们从中也能发现下一季的流行趋势。
DIOR
在Dior 2022春夏成衣系列中，女装创意总监Maria Grazia Chiuri回溯了1960年代品牌创意总监Marc Bohan的设计风格，用红黄橙绿、莓红、海军蓝打造的撞色图块，重新诠释了上世纪60年代经典复古的美学风格。
整个秀场设计呼应了春夏系列的缤纷色彩以及多样的剪裁和廓形，也与当下备受关注的网飞巨制《鱿鱼游戏》中的游戏空间颇为相似。秀场空间是一个巨大的 “棋盘游戏” 现场，地面搭建了各种颜色的棋盘模块，以高低错落的形态呈现。墙上同样布满了各种各样的棋盘图案。这些空间几何图形的灵感来自意大利艺术家Anna Paparatti的艺术作品 “The Great Game”。
Balenciaga
过去一年，Balenciaga可谓是时尚和艺术圈的话题制造机。从去年将2021秋冬系列搬进游戏世界，到今年重返高定秀场，品牌的每一次亮相，都引发巨大关注和肯定。此次在巴黎2022春夏时装周上Balenciaga也没有让人失望。品牌没有发布传统的T台秀，而是打造了一集《辛普森一家》的番外篇。
Thom Browne
今年9月，Thom Browne 2022春夏系列正式发布。整个时装秀带有浓厚的戏剧氛围，秀场设在哈德逊河畔著名的艺术地标The Shed中，其内部的Griffin剧场被布置为开放式庭院，周边布满了各种绿植。
秀场设计灵感来自于英国作家J.G.Ballard的短篇小说《The Garden of Time》。众多模特穿着由上百朵薄纱缝制而成的玫瑰礼服伪装成雕塑模样，成为背景装饰。开场头戴马形头饰的模特蹬着高轮车围绕舞台骑行一圈后，坐在中央的模特卸下花卉外衣，大秀正式开始。除了精心的秀场布置，模特的妆发也是一大亮点。渐变色花卉以及斑驳的裂纹黏土妆，与Thom Browne打造的童话现场融为一体，并且呼应了模特的不对称造型。
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“双城记”
Prada的“双城记”在米兰与上海同步上演，这也是疫情爆发以来，品牌首次回归线下秀。Miuccia Prada和Raf Simons将秀场选在了品牌故乡米兰的Prada基金会以及上海外滩的亚细亚大楼。秀场装置由荷兰建筑大师Rem Koolhaas打造。两个秀场的布景基本一致，只不过米兰的观秀台以浅蓝色方形呈现，而上海则以浅橙色半圆形呈现，两者形成“方与圆”的对照，而将这两个相距近一万公里的场地连接起来的是现场纵横交错的LED屏。Prada通过线上直播的形式打破时空限制，屏幕上实时播放着另一个城市的走秀情况，同一件衣服在平行空间由不同的模特演绎，为观众提供更多元的观察视角。
Prada
Alexander McQueen
Alexander McQueen2022春夏系列的秀场选在伦敦东区沃平巷停车场的楼顶。一个硕大的犹如泡泡般的充气装置是智利建筑师Smiljan Radic构思设计的，材质选用透明的嵌板薄膜，其结构可以折叠并重复利用，与当下流行的可持续理念相呼应。观众在装置中可以欣赏到伦敦的美景以及天空的变化。透明的云状秀场和绚烂的晚霞交相辉映，带给人梦幻般的感觉。
这一季的灵感来自自然气候的变化，创意总监Sarah Burton表示，人类应该保护自然，而不是统治它。品牌未来会将这个秀场设计带到全国各地，以承载更多的文化和教育活动。
Louis Vuitton
10月6日，Louis Vuitton 2022春夏女装系列正式发布。创意总监Nicolas Ghesquière带着以法国洛可可时期宫廷服饰元素为主打的新系列时装重回卢浮宫，设计灵感来自品牌大使Alicia Vikander的新吸血鬼剧集。秀场设置在卢浮宫的黎塞留长廊中，品牌将这里改造成一个富丽堂皇的舞厅，120盏复古枝形吊灯为本次服装设计的宏大叙事奠定了基础，搭配知名作曲家Woodkid的音乐，Louis Vuitton为观众带来了一场古典与现代交织的大秀。模特身着华丽服饰登场，犹如影视剧中的吸血鬼形象，为秀场增添了一丝魅惑。
Hermès
Hermès的2022春夏女装秀场选在了巴黎的Le Bourget机场。秀场的重要组成部分是由艺术家Flora Moscovici创作的巨幅画作，温暖和煦的橙黄色宛如傍晚的霞光洒落，这样的设计一方面代表着温柔又炽热的Hermès女性群像。另一方面也阐述着创意总监Nadège Vanhee-Cybulski对于“后疫情时代的女性着装”的想法——精简并带有轻微装饰，在极简主义和活力之间取得恰到好处的平衡。为了让观者将注意力都放在服装和Flora Moscovici的画作上，Cybulski没有再增加其他秀场装置及绚丽的灯光，而是让人们沉浸其中，感受自由纯粹的愉悦感。
Versace 2022春夏系列的秀场由英国著名歌手兼模特Dua Lipa负责开场与闭场，同时她也是品牌秋季广告的时尚代言人。伴随着风格鲜明的音乐节奏，模特们穿着Versace的新系列自信登场。此次大秀的主角无疑是品牌标志性的丝巾。舞台的棚顶和背景布置也由巨大的Versace经典印花丝巾构成，丝巾装饰在人工助力下摇曳舞动，充满异域风情与神秘感。
Versace
在巴黎时装周的最后一天，Miu Miu发布了2022春夏系列。秀场选在巴黎耶纳宫（Palais d'Iena），设计团队对室内空间没有进行过多的包装和修饰，而是自然地展现出建筑原本的风貌，蜿蜒的白色T台延展而出，将整个室内切割为多个空间。秀场上还分布着眼睛造型的屏幕，为观众带来双重视角。而可旋转的Eames办公椅则呼应了Miu Miu 2022春夏系列的主题，“当MiuMiu女孩回归线下生活，走进办公室”。
Miu Miu
DIOR 2022
AZ Factory
AZ Factory告别大秀为2022春夏巴黎时装周画上了圆满句号。2019年设计师Alber Elbaz复出创建了自己的品牌AZ Factory，然而却在去年4月不幸感染新冠病毒离世。
AZ Factory 2022春夏系列以“Love ，Brings Love（爱，带来爱）”为主题，上半场呈现的是45位创意总监设计的作品，每一套Look极具辨识度。下半场则展现了Alber Elbaz的遗作以及AZ Factory新一季作品。
秀场用光影营造出一个庄严肃穆的空间，大秀结束之际，所有模特都站在一个巨大的架子上，Alber Elbaz的照片出现在正中央。伴随着欢快的旋律，秀场的氛围变得温馨起来，红色的心型纸片飘落全场，以此提醒时装给予人的欢乐与爱。
Datapark总结
疫情的发生给时尚行业带来了巨大影响，品牌们不得不加快数字化营销的步伐，但线下时装秀存在的价值依旧无法替代。尽管线上短片赋予了创意总监们更大的表达空间，但线下实体秀却能给观众带来全方位沉浸式的感官体验，同时引发他们更深层次的解读。
纵观2022春夏时装周，品牌们试图通过缤纷的色彩和图案为整个时装行业注入乐观和轻松的情绪，在疫情依旧严峻的当下，秀场设计相比以往也多少有些克制和简化，旨在将观众的注意力引向对时装的关注。
ACQUES-WEI
这是一个非常新锐的中国设计师品牌，设计师JACQUES WEI毕业于巴黎 ATELIER CHARDON SAVARD服装设计专业。
ACQUES-WEI
毕业后师从Marta Manitovani高定刺绣工坊，这也是他在巴黎学习艺术设计时获得的得天独厚的优势，高级定制的实习经历给他打下了扎实的基础。
2019年创立同名设计师品牌JACQUES WEI。他的设计风格喜欢运用柔软亲肤的面料、大而流畅的线条，在颜色的选择上多用那些饱和度较低沉稳、内敛、温柔的色系。印花的设计一直都是JACQUES WEI的设计亮点。
在2021年的春夏系列中，可以看到浪漫和实用是可以兼得的。奢华的面料加上大面积的印花，巧妙的颜色使成熟的女性魅力中带有无尽的浪漫。
Jacques Wei的2021秋冬系列描绘了秩序的矛盾，以及20世纪70年代狂野、自由的爱情，奢华的鸡尾酒会和对地下俱乐部文化的沉迷。
展示了那个年代资产阶级女孩的特性。半个世纪前的音乐、艺术和家具元素被放在一起，产生了不匹配的碰撞。
Sophia Webster
Webster的个人同名鞋履品牌。Sophia Webster于2010年毕业于英国皇家艺术学院，曾在Nicholas Kirkwood麾下工作，精进技艺，其后在2012年创立同名鞋履品牌SOPHIA WEBSTER。
SOPHIA WEBSTER出众又趣致的鞋履设计备受众多当红时尚偶像喜爱。SOPHIA WEBSTER鞋履运用水彩色、糖果色、波点图案、透明元素、大色块的拼接碰撞，外形缤纷绚丽，鞋跟的形状和整体的弧度、线条相当优雅。
秀场外街拍中已可以常常看到索菲娅·韦伯斯特 (Sophia Webster) 她设计的包包、鞋履的踪迹，Net-A-Porter等著名时尚购物网站将她的作品放入新一季的售卖清单，海报编编今年也已多次在分享搭配心得时推荐过她设计的鞋包单品。今天，就让编编正式来带你认识这个事业正风声水起的英国女孩和她刚刚诞生一年多的个人同名品牌!
设计师的成功大多离不开所接受的优质教育，Sophia Webster也不例外。她在英国皇家艺术学院 (Royal College of Art) 学习鞋履设计，并且拿到了著名的伦敦时装学院 (康德威纳斯学院Cordwainers College) 的硕士学历 (著名鞋履设计师周仰杰也是这所学校的毕业生)。毕业后的Sophia Webster又遇到了一位“贵人”、
著名的鞋履设计师尼可拉斯·科克伍德 (Nicholas Kirkwood) ，成为Nicholas Kirkwood的首席助理。工作近三年后，在Nicholas Kirkwood的帮助下，Sophia Webster决定正式成立自己的个人品牌。
2012年，索菲娅·韦伯斯特 (Sophia Webster) 品牌的2013早春系列和2013春夏系列相继亮相。同年，索菲娅·韦伯斯特 (Sophia Webster) 本人获得了康泰纳仕授予的“年度新锐鞋履设计师”奖项和英国时装协会颁发的、仅针对鞋履设计师的New Gen Award。
Fashion at the Oscars
Wanda Sykes, Amy Schumer and Regina Hull will host the Academy Awards at the Dolby Theatre in Hollywood, Los Angeles, on March 27, 2022. The ceremony will be televised live by ABC. Broadcast live on TV or online in more than 225 countries and regions around the world
一年一度的奥斯卡颁奖典礼终于来啦！
谁也没想到，今年新晋影帝威尔史密斯会在直播中上台扇了主持人一个大嘴巴，直接引爆了全网。
但除了抓马之外，大家也还是会把目光锁定到红毯上，毕竟谁能拒绝欣赏盛装出席的美女们呢？
Oscar shot
2022奥斯卡最佳服装设计奖《黑白魔女库伊拉》
Hunter Schafer的牛仔礼服裙来自Rick Owens 2022秋冬系列、珠宝来自De Beers
Hunter Schafer
Anya Taylor-Joy 身穿Dior2022秋款蕾丝礼服亮相名利场奥斯卡派对
Anya Taylor-Joy
Kristen Stewart凭借主演的《斯宾塞》获得最佳女主角提名，在第一次被提名的奥斯卡颁奖典礼上选择了CHANEL为其定制的套装，很符合她的个人风格。
Kristen Stewart
Kendall Jenner 身穿BALENCIAGA 2022 春夏系列亮相奥斯卡名利场派对，高马尾、黑色拖地礼服，气场全开的肯豆
Kendall Jenner
金·卡戴珊参加名利场举办的奥斯卡after party，穿了她爱的Balenciaga，全身蓝色就
像个蓝精灵！
Kim Kardashian
Dakota Johnson
Dakota Johnson 身穿Gucci羽毛拖尾礼服出席名利场奥斯卡派对
奥斯卡当天Dakota穿着一条粉紫色长裙，裙子的袖子和下摆是羽毛形状，十分抢镜
Hailey Bieber
“海狸” 奥斯卡名利场派对，穿着Saint Laurent刚发布的秋冬新装，气质也是越发性感魅惑。
英国演员Kate Beckinsale身着Zuhair Murad 2022 S/S Haute Couture系列礼服出席奥斯卡名利场派对，才发现Kate这一套也很美啊！
Kate Beckinsale
秀场模特图
Andrew Garfield
Andrew Garfield一身酒红丝绒西装亮相，一如既往的帅气
他凭借电影《倒数时刻》第二次提名最佳男主角，遗憾的是加菲再次陪跑，与小金人失之交臂。
Nicole Kidman身穿Armani定制礼服亮相第92届奥斯卡颁奖礼红毯照
Timothée Chalamet甜茶身穿LV2022春夏系列出席奥斯卡颁奖礼红毯，黑色刺绣蕾丝礼服夹克搭配黑色修身长裤，真空上阵，好有范儿，《沙丘》获得本届奥斯卡10项提名。
Timothée Chalamet红毯
Timothée Chalamet名利场
Nicole Kidman
Jessica Chastain身着Gucci定制款饰棕色金属片及羽毛褶边的淡紫色吊带礼服长裙，搭配Gucci高级珠宝系列亮相2022奥斯卡红毯并获得最佳女主角。
一袭Gucci定制祖母绿礼服惊艳亮相奥斯卡颁奖礼后的Vanity Fair名利场派对，波光粼粼的绿与眼眸相称，在“蓝毯”上熠熠生辉。
Zendaya红毯造型是来自Valentino的定制礼服，白色高腰上衣配银色亮片长裙，一如往常不打安全牌，配上完美的身材，简单的造型赏心悦目。
《名利场》派对中赞达亚的西装造型更加具有个人特色，紫色的衬衫配上皮质领带，眼妆也十分别致，整个人气场强大。
第94届奥斯卡最佳影片《健听女孩》
第94届奥斯卡最佳导演获奖影片《犬之力》
第94届奥斯卡最佳原创剧本获奖影片《贝尔法斯特》
2022奥斯卡获奖影片大赏
第94届奥斯卡颁奖典礼面向全球举行了线上直播，男女主最佳演员名单为《健听女孩》获最佳影片，简·坎皮恩凭借《犬之力》获最佳导演，威尔·史密斯凭借《国王理查德》获最佳男主角，杰西卡·查斯坦凭借《塔米·菲的眼睛》获最佳女主角。
单从提名数量来看，《犬之力》拿到第94届奥斯卡金像奖12项提名，可谓最大赢家。
Pat McGrath Labs作为由彩妆界殿堂级人物Pat McGrath推出的个人品牌，自然带有Pat浓厚的个人色彩，旗下产品中既带有蜜丝佛陀、迪奥等pat参与过设计的品牌的神韵，又能感受到由pat所引领的时尚风潮。品牌彩妆产品的大胆配色让人眼前一亮，感受到了彩妆所潜藏的无限可能，让美可以变得独一无二。充满艺术感的配色，对于热爱色彩的姐妹们来说，可以说无敌诱惑了。
Pat McGrath Labs旗下的口红系列，是其明星产品。口红从外包装到口红管，再到膏体，都金光灿灿、熠熠生光。外包装上带有粉色闪亮晶片，膏体更是添加了靓丽明艳的闪粉，让口红上唇之后显得格外闪亮。口红Pat McGrath Lust 004中包含三个系列blood、flesh和venom，一套中包含有两管唇膏、两盒金粉和一只透明唇蜜，金粉是可以和任何色号随意搭配的，搭配使用能够达到金闪而粉嫩、顺滑而轻盈的感觉，色调优美而饱满，能够让你的唇妆显现出独特的美感。
Pat McGrath Labs
Pat McGrath Labs,美国个人彩妆品牌，由蜜丝佛陀全球首席设计师Pat McGrath推出。
Pat McGrath个人的时尚理念在Pat McGrath Labs品牌中表现得淋漓尽致，极致的色彩搭配和惊艳的彩妆创意，都让人赞叹不已，强劲地引领了时尚趋势。
Pat McGrath 在色彩上的运用和创造，可以说是当今时尚界的翘楚，在过去的十多年中，Pat 以独特的时尚眼光和颜色理解，为彩妆注入了无限创意，拓宽了彩妆领域的边界。Pat曾将青绿和橘红引入时尚界，让彩妆界的自然之风愈发猛烈。粗重眉形和雾质粉嫩，也是来自pat天才般的创想。其卓尔不群、特立独行的时尚感觉，引领了时尚圈一次又一次的风潮，被人称赞为彩妆领域未来趋势的引领者。
周年庆新品
047 粉调豆沙色
003 蓝调红
040 红木玫瑰
041 气质绯红
BEAUTLFUL
ELSON
FLESH
GUINEVERE
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Fenty Beauty
在光彩陆离、游影浮移的时装秀场的后台盛传着这样的传奇光景:
在Pat McGrath的双手下，眼影的浓淡永远恰到好处；粉底总能与肌肤完美融合、轻透自然；在她的妙手下，红唇甚至能有50种样貌，甚至有人称她为彩妆界的Velazquez(著名油画大师)。
Pat McGrath是时装周许多品牌的御用彩妆大师，她曾创下一季参与多达60场时装秀的惊人纪录,
Prada、Dior、Dolce& Gabbana、Gucci、Louis她也是超模Naomi Campbell、Amber Valletta以及名人Oprah、Madonna、Jennifer Lopez等人的指定彩妆师。
Pat McGrath创造出一季又一季彩妆趋势，被时尚杂志《Vogue》誉为「全世界zui有影响力的彩妆师」，而因为对时尚及美妆产业的卓越贡献，更是在2013年获颁大英帝国荣誉勋章。
Vuitton等知名时尚品牌的服装秀及形象广告妆容，全都仰赖她打造。
Dior 2011年 秋季高定系列
Valentino 2019年 春季高定系列
Pat McGrath Labs
FENTY BEAUTY
DIAMOND BOMB
ALL-OVER DIAMOND VEIL
钻石高光粉饼
色号：#COGNAC CANDY
Fenty Beauty
MATCH STIX 雾面塑颜棒# Amber
参考价格：RMB248
2019Fenty Beauty秋冬新品
款式的名字基本都来自纽约都市的街道或场所。 瓶子方面，概念来自“人”型，在纽约的各种人群，手牵手的姿态，意味着没有各类的人群也不会有纽约这个都市。瓶子及包装上的圆形LOGO，来源于纽约地下铁（TOKEN）的圆形车票，意味着东南西北紧密联系着的纽约整体。
BondNo.9
Bond No. 9，美国沙龙品牌，2003年由住在纽约25年的法国人Laurice Rahme创建，她自身也是一位女性调香师，把对故乡法国与大都市纽约的情感，以香水来融合及展现，聘请不少知名的调香师担当调制。
品牌名字来源于纽约NOHO地区的Bond街9号。邦德9号BondNo.9，是一家总部位于纽约休北区的小规模技术香水制造机构，其双重使命在于恢复香水的艺术性以及在纽约制作出32款广受欢迎的女士、男士和男女皆宜型香水。BondNo.9Perfume中性香水曾荣耀入围2010年的FiFiAwards2010香水奥斯卡奢华男性香水名单，无论是香水瓶设计、香调品味，还是在国际香水界的人气，都代表了奢华男性香水的极致精神，必将成为都市奢侈型男的“风尚标”！
品 牌 来 源
纽 约，纽 约
真 相 的 耳 语
House of Sillage
House of Sillage这个来自美国的新兴沙龙香品牌出现在各个高档百货商场里，背后的调香师是Mark Buxton，世界范围内公认的才华横溢的调香师。香水本身固然是好香，Mark Buxton凝聚了沙龙香气质与商业香气质于一体，使得香水整体上能做到雅俗共赏。然而再名贵的原料、再牛逼的调香也无法使一瓶edp买到7、800美元乃至1500多美元。
让这个品牌一举跻身顶级奢侈品香氛之列的是它的包装。镶满了施华洛世奇水晶的瓶盖里描绘的是纽约的圣诞夜。这是除了Lalique之位，第二个让我觉得买了瓶子之后我其实完全不关心香水本身到底闻起来如何的牌子。然而Lalique才多少钱一瓶，这个牌子比Lalique多了两个零。
算是新兴沙龙香市场发展的一个极端案例，包装在价格上的加成达到了史无前例的高度。它的精致宝石纯金限量旅行版香水喷壶， 整个香水喷壶上共饰有 665 颗宝石，全部手工镶嵌于 18K 的黄金壶体之上。 这种精致的全新设计花费数月打造而成，纯内部定制，零售价为 118,000 刀
而其推出添加钻石粉的限量版唇膏外壳及替换装赢得ICMAD了城市大奖中的产品创新奢侈品奖项。
真相的耳语（Whispers Of Truth Noir）
House of Sillage与迪士尼联名
被一把椅子改变的人生｜访90后新锐设计师王树茂
过去一周，王树茂几乎没有在凌晨三点前入睡过：搬工作室、打包上千件收藏品、参加CIFF广州家博会的策展会议……每天都只能用“忙疯了”这几个字来形容自己。
作为2022年第48届中国（广州）家博会（简称CIFF广州家博会）最年轻的合作策展人之一，王树茂策划的“D2M Lab设计样”将带来一个展示经典设计的区域，包括一百件原版设计，此外，还有一个集聚了众多设计师的版权交易集市和设计论坛。
王树茂师从清华美院家具设计研究所于历战教授和国际著名设计师卢志荣。一些导师曾评价这位90后新锐设计师：“这是我带过的对设计最为痴迷的学生。”
翻看王树茂创立的“Femo Design Studio沣茂设计”工作室简介，一连串奖项让人眼花缭乱：曾获金羿奖、中国设计奖年度至尊奖、德国红点奖、IF设计奖、台湾金点产品设计奖、红星奖未来之星奖（全国仅两名）等专业竞赛奖项共计120余项……他的作品曾参加米兰家具展、斯德哥尔摩家具展、德国Upcycling升级再造世界巡回展览、广州国际设计周、北京国际设计周等……
而王树茂在圈内另一个小有名气的身份是：原版家具收藏者。他收藏的超过千件原版坐具和家居用品，已经受邀参加了多个设计周和家具展。
新锐
被老师称为“移动硬盘”
王树茂原本就读的是建筑与环境设计专业，当时想法很简单，觉得将来走在大街上，能指着某栋很酷炫的建筑对别人说“那是我参与设计的作品”，这会是很有成就感的事情。
然而入学后他就意识到，要在某座建筑打上自己的名字，是一条漫长的路。自己可能只会是建筑产业的一颗小螺丝钉，很难单独完成一件如此大体量的作品。而体积更小的设计产品，却给了他不一样的触动。“当我看到建筑和空间的时候，带给我的是震撼，而看到小产品的时候则是感动。”
在一次展会上，他见到了丹麦设计师雅各布·乔根森的“诺亚方舟”。那是一把让人惊艳的休闲椅，椅面由28条弧形的复合板组成，每根木条两侧都是滑轨，彼此拼接得严丝合缝，却又能自由推拉，变换成蛋面、船体等不同造型。
“我当时眼眶都红了，在它面前站了很久。虽然以前也在照片上见过它，但实物给人的感觉是远远不同的。”让他感动的，不仅仅是设计师绝妙的创意，更在于那个愿意将设计实现的企业情怀。
“一个设计再精妙，如果不能实现的话，终究只是一张图纸。这把椅子要求每根木条不差毫厘，有任何轻微变形都达不到这种效果，所以厂家的工艺水平、投入成本绝对是非常高的，这把椅子即使售价高达十几万，厂家也很难靠它赚钱。”一家企业能不计成本地将这个设计师的想法实现，这种精神，本身就让人感动。
“在建筑师的职业生涯中，椅子就是成人礼。”艺术史学家Agata Toromanoff曾在《Chairs by Architects》一书中这么说到。一把座椅的设计难度，其实不亚于设计一座大型建筑。许多建筑师都痴迷于椅子，他们设计的椅子，甚至比自己设计的建筑还要出名。
找到方向后的王树茂，开始痴迷于翻阅各种设计资料。“比如一个品牌，可能会和几十个设计师合作，每个设计师又有自己的官网，每人又合作了几十个品牌……这样一发散，就是一整张网络。”
每年的米兰家具展、德国科隆展、法国MO展、瑞典斯德哥尔摩展览，王树茂都会收集他们的参展商名录，在目录表上从A-Z背诵一遍这些品牌，看他们的官方网站是否有喜欢的产品，而他在课业之余，查找收集的网站已经积攒到了4万多个。
他会试图将每个网站的信息都熟记在脑子里，比如某位设计师的背景、他的灵感来源于哪里、受过哪些人或作品的启发？以至于现在不论遇到哪个看过的作品，他都能像AI一样张口说出个一二三来。有的老师因此称他为“移动硬盘”。
游走在设计与收藏之间
大学时刚整理出4万多个设计网站时，王树茂非常兴奋，觉得自己发现了一片新大陆、一条学习的捷径。从那以后，每天雷打不动地“过资料”就成了他的头等大事，一坚持就是十几年。
此外，他还流连于各种展会、门店，就为了看看那些作品的实物。再后来，他开始自己买原版椅子来研究。“只看产品图的话，是永远没法接近一流大师水准的，他们对细节的把控，对材料和品质的要求，只能从实物上体会。”
一把设计师原版椅子，少则几千元，贵则6位数以上，对一个“家里没矿”的学生来说是件奢侈的事儿。不愿跟家里伸手，他就用自己的奖学金、参加设计比赛得到的奖金来买。
实际上，从大三开始，王树茂就不断有设计作品获奖，他的第一个收藏品，Philippe Strack的一把椅子，也是他在大学时期通过北京一家代理商打折到5万元后买入。
这个收藏癖，一直延续到创业后。
“有人问我，花这么多钱买原版，拿去做别的投资不是更好？”王树茂不这么想。他觉得，反正自己也没有什么别的花钱嗜好，不迷恋豪车、名牌奢侈品、高档酒店，甚至连游戏都不打。“就连买衣服也是长年在一两个店里搞定。其中一家之所以喜欢，还是因为它的家具都是原版的。”
“你会不会担心，有一天对设计的迷恋突然消失？”听到南都周刊记者的这句话，他愣了一下，随后很果断地回答：“不会！因为它现在已经成为我的事业了。更重要的是，我知道我做这个是为了什么。”
2019年，王树茂荣获金羿奖组委会大奖。（受访者提供）
王树茂收藏的设计师原版作品
滚筒椅
（王树茂设计）
考拉椅
（王树茂设计）
小象椅
（王树茂设计）
浮萍边桌
（王树茂设计）
壳椅
（王树茂设计）
丹麦椅
（王树茂设计）
与他一起学设计的同学，有的去了建筑院、设计公司，有的继续深造，还有许多人后来的工作与设计并不相关。但2014年毕业时的王树茂没有丝毫犹豫，立刻开始了创业之路。次年，他便带着一群年轻设计师跟企业合作，搞家具、陶瓷用品研发、做空间视觉类项目，忙得热火朝天。
能将学业、事业、生活合并成三位一体，是一件幸运的事，更是他没有对设计失去热情的关键因素。“可能是大学期间不断拿奖的经历，给了我很大信心吧，那些奖金也成了我的启动资本。我一直非常笃定，
自己就是要走这条路的人。”
如今，“沣茂设计”已经发展出多条业务线：1.为客户提供家居产品设计服务；2.做专业策展人和原版家具藏品提供者；3.新开发了代理业务，代理40多个进口品牌家具。“我们这些年买原版家具的数量，已经达到代理级别了，而且不少人看展之后都会问我哪里可以买到，索性我们就帮他们直接下单。”
今年，他们还打算创立一个家具品牌，推出自己的家具设计。
搭建设计交易平台
如果在设计展上看到王树茂，许多厂商会一眼认出“这是个同行”。因为大部分人都在观赏产品的外观造型，而他却会以各种奇怪的角度，仔细查看展品的细节，比如结构处的连接工艺、材质的处理等。
早几年，许多参展商看到王树茂会很警惕，生怕他是高仿厂家派来的“间谍”。但这些年在圈内渐渐混熟了之后，不少人不仅能认出他，还会友好地邀请他来细看，因为大家知道：“这位设计师是非常抵制仿品的人。”
王树茂曾策划过《缩小de建筑》《D2M Lab设计样》等不同主题的展览，让观众们近距离感受原版设计品带来的体验。“这可能是许多人做了一辈子网红仿品也感受不到的。”
收藏多年原版家具后，他脑子里就像内置了一个探测器，每当看到一件家具，或在时尚杂志上看到一张图，他就能迅速辨别出是正版还是仿品。可惜在国内，他看到的大部分都是后者。
“如果放任劣币驱逐良币，好品牌相继退出中国市场，中国的创意产业得不到新鲜血液，吃完老本的我们还能发展吗？”他高兴地发现，愿意购买高质量原版的人越来越多了。
如今，王树茂在深圳工作室的藏品已经超过了一千件，并且还在不断增加。原来1000平米的空间已经无法容纳，正准备搬到一个更大的新空间里。
“为什么选择在深圳创业？这么大的工作室，房租压力不大吗？”记者问道。王树茂笑了笑说：“深圳非常适合创业，氛围很好，有许多创业者、设计公司，深圳也是设计之都。而且像我们这样拿过红点等奖项的创业者，政府还会提供补贴。”
此外，湾区也集中了大量的展会、生产厂商、技术人才，对于推动原创设计形成了良好的生态。这也是他发起“D2M Lab全球设计交易平台”的初衷之一。
“这个想法是2020年底中国家博会邀请我们去策展时萌生的。”在那之前，广州“设计之春”展览集合了许多原创度高的中国品牌，已经体现了中国设计师不小的力量。而王树茂也发现，许多国内厂商的二代接班人都是海归，有着更为开阔的眼界，有资金也有意愿打造自己的设计品牌。
“另外，电商平台对盗版的打击力度越来越大，对原创的支持也日益加强。在这种良性生态下，一边是大批有想法的设计师，一边是想要转型的厂商，唯独缺乏一个平台让他们对接，于是D2M Lab就出现了。”
平台第一年推出后，已经有几十位设计师的工作室参与了平台组织的展览，其中有几家成功和厂商进行了对接。还有不少行业协会直接找到平台，希望就某一展览主题，让平台推荐一批设计师进行合作。
王树茂依然记得自己第一次看到那把原版椅子时的感动。他如今做的所有工作，似乎都是为了将那份感动分享给更多的人。“希望有一天，我收藏了几千件、上万件设计品时，可以开一家私人设计博物馆，让所有人都能近距离体验设计的美好。”
青年问答
Q：你的梦想是什么？现在实现了吗？
王树茂：我的梦想是以后在中国做一个家具设计博物馆，就像瑞士的Vitra维特拉设计博物馆一样，里面收藏许多原版家具、灯具，让从业者和学生们都能近距离接触大师们的作品。
但我的博物馆定位跟Vitra会不太一样，Vitra只收藏那些大师的作品，我的收藏是不设限的，只要喜欢就会收进来，比如我去看毕业设计展，某个学生作品的概念很棒，我也会收进来。所以里面可能会有很多中国原创的作品。
Vitra维特拉设计博物馆
Q：你怎么看待自己目前的职业和职业未来发展？
王树茂：现在的职业我是很满意的，因为我太喜欢设计了，每天都可以和出色的产品待在一起，是非常棒的事情。
Q：你是否有过焦虑和迷茫的时刻？
王树茂：我觉得人生是分阶段的。以前我从来不焦虑和迷茫，因为我的目标太明确了，就是做设计，做收藏，不断对标那些大师，规划自己每一步应该做什么。但开始收藏后，慢慢地也会迷茫，就像小时候我收藏那些东西一样，不知道可以做什么。现在，藏品达到一定规模，有了些知名度之后，未来反而明晰起来。因为会有源源不断地展会、设计周来找你，这批藏品也可以租借出去，靠展览收入来持续发展了，终于不用靠爱发电了。
Q：你怎么看待“内卷”？
王树茂：内卷，说的应该是和同辈人过度竞争吧。我没有什么感觉。可能是因为我一直埋头做自己的事情，而且对标的是那些遥远的大师。我会想，七、八十岁时我应该达到什么状态，倒推回现在，我又应该做什么，朝什么方向走，所以完全忽略了周围同龄人对我的压力和影响。
Q：你看过《觉醒年代》吗？最喜欢里面哪个人物？
王树茂：我现在非常少看剧，太花时间。但看到你们的问题之后，我刷了一下视频片段，特别喜欢陈延年。他去世时刚好是29岁，跟我今年一样，这让我很有感触：正是有了他们无私的奉献，才有了今天。有人问这部剧有没有续集？我看到一个回答特别好：你现在的幸福生活就是续集。
还有人评论，他将所有精力都投在工作上，夜以继日，就像一头不知疲倦的老黄牛。我觉得这跟我现在的状态也特别像。我几乎每天都会投入十几个小时在设计上，但我又没有将它当成是工作。我的学业、事业、生活是三点一线完全重叠的，这可能是我比很多同龄人更加幸运的一点。
Q：请分享最近看的一本书/剧集/电影/一首歌，说说你感到印象深刻的点。王树茂：我每天会花很多时间听歌，而且是一直单曲循环到别人崩溃的那种。最近我单曲循环的歌是张碧晨的《光的方向》，还是刷抖音找《觉醒时代》片段时发现的。
佐藤大|Oki Sato（nendo）|1977年出生于加拿大多伦多，2000年早稻田大学建筑学系毕业，2002年早稻田大学建筑系研究所毕业，同年成立nendo设计公司。2008年设计的cabbagechair 得到纽约设计moMA、巴黎装饰美术馆、纽约设计美术馆的永久收藏，获得世界性的评价，2008年11月开始为全球20余家Tod’s旗舰店担任橱窗设计。
nendo是由日本设计师佐藤大于2002年设立之日本设计工作室，设计领域广泛，于东京及意大利米兰皆设有据点。成立至今除获颁无数设计奖项外，亦被选为newsweek志”世界最受尊敬之100位日本人”、”全球最受瞩目企业100家”等，活跃于世界舞台。
年轻的佐藤大能够翘楚于日本设计界与他的勤奋和努力分不开。他1977年出生在加拿大，2002年在日本早稻田大学获得了建筑学专业的硕士学位，同年在东京创建了名为Nendo的公司。经过三年的努力，他又在米兰开设了Nendo办公室。业务范围包括建筑、家具设计、室内设计、甚至是视觉艺术设计等，不限产业与品牌的弹性，使佐藤大和nendo不断出现在日本国内以及欧洲大陆。
佐藤大的home object design（家具设计）最让人惊讶的不止是看见当下让人感觉『好前卫』的视觉冲击，从某些层面来说，佐藤大的设计被赋予了更多日本意象的美感与实用性。出生于加拿大多伦多的佐藤大，十七岁进入早稻田大学的建筑系就读，对于设计维持着热情的佐藤大接着就读早稻田的建筑硕士，二十四岁毕业那年首次以游客身份参观了米兰家具展Salone del Mobile，从此决定以设计作为终身职业。
佐藤大和Nendo公司的作品让我们看到了日本当代设计追求简洁、功能性的设计美学。生活中处处隐藏著意外与惊喜，只是他们往往可能在你内心深处沉睡著。
执着于为日本意象美学注入惊叹号的佐藤大说：『Giving people a small「！」moment hidden in oureveryday.』（要在隐藏的日常中给人们一个惊叹的时刻。）——创意总出现在细微处，这是佐藤大的设计信仰，他认为每个商品的设计都需要带给人们惊喜，在前卫的外形之下，实用的特质之外，惊叹号『！』是最能带给人们灵感触发的片刻。如果要细剖他创造的设计潮流，那就是完美地融合日本前卫艺术以及古典韵味，挟持着这样迷人的日本新意象美学让他开始被国际设计界的目光所注目。
除了使用天然原料外，该公司还考虑到可持续发展的主题:使用天然植物精油制成90-100%的香水，使用90%或更多的回收玻璃制成玻璃容器，使用生物聚合物(一种由甘蔗制成的原料)制成塑料容器。因此，品牌的三个价值——动与静的平衡、内在的美和对环境的尊重——也需要在商店的设计中体现出来。
由E'quipe化妆品公司推出的新护肤品牌Athletia邀请了由Nendo来开设计他们的新店。
动与静的在不同层次的材料展示的设计中得到了表达，并保持了微妙的平衡。亚麻籽油、松脂和锯末等天然材料占地板的94%-98%，使地板具有生物可降解性。地板的底部部分来自回收的聚氯乙烯(PVC)-----来自使用过的农业塑料薄膜。从陶瓷工厂废料中回收的材料占了用于柜台和工作台的大约43%瓷砖。一些台子由残次的玻璃容器和生产过程中的玻璃碎片制成。
另外，在商店的底层，有9块涂黑的木板，部分挡住了从外面看整个商店内部的景色，促使更多的客人进入商店一睹它的风采。
佐藤大设计作品
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